"La fotografía de autores latinoamericanos y su presencia en el mercado de arte tradicional en nuestros días"
La valoración de la fotografía como obra de arte es un fenómeno reciente en el ámbito de las bellas artes debido a las grandes dificultades que supone su inserción en el mercado de arte tradicional. Es un hecho que la fotografía ocupa un lugar de privilegio en Museos, Galerías y Ferias de Arte junto a la pintura, la escultura y otras formas de expresión contemporáneas.
En esta oportunidad proponemos analizar la aparición en el circuito tradicional del mercado de arte de obras de autores latinoamericanos incluyendo además a creadores que han emigrado de otras latitudes y desarrollado aquí su labor, para acercarnos a la cuestión tan en boga en nuestros días: ¿Qué vale una fotografía como obra de arte?.
Hemos centrado la atención en dos ferias de arte: ArteBA, feria de Arte de Buenos Aires, cuya primera edición data del año 1991, se trata de uno de los acontecimientos culturales más relevantes de nuestro país y Buenos Aires Photo, primera feria dedicada exclusivamente a la fotografía, organizada por Arte al Día Internacional que fuera inaugurada en el año 2005.
Ambas ferias convocan anualmente durante algunos días a galeristas, art dealers, artistas, directores de museos y fundaciones, coleccionistas, curadores, críticos, periodistas especializados y amantes del arte de nuestro país y del exterior.
Asimismo, haremos referencias a ventas en remates organizados por las tradicionales casas de subastas, a saber: Sotheby´s y Christie´s.
La fotografía: obra de arte y documento
Desde su invención (c. 1826) la fotografía en tanto medio de representación es al mismo tiempo documento y creación. Un lenguaje estructurado en forma y contenido. Heredera de la pintura en cuanto respecta a las nociones de perspectiva, géneros y composición. Centro de debate en sus orígenes del rol que debía cumplir en el mundo de las bellas artes. Los primeros usos del medio fotográfico son verdaderas ventanas al mundo. Fue instrumento de investigación y generadora de testimonios visuales a través de la fotografía de viaje, el paisaje y el retrato. Lentamente fue encontrando su especificidad, al tiempo que liberaba a la pintura de la representación.
Los criterios de valoración de un objeto creado por el hombre y que llamamos arte son criterios estéticos de carácter subjetivo, arbitrario y flexible. La valoración cultural ha nacido por razones de coleccionismo, del comercio de arte y de la museografía.
El coleccionismo es una actividad que acompaña al ser humano desde el principio de los tiempos. El hombre primitivo recogía alimentos durante las buenas épocas para poseer reservas durante las malas. En la antigüedad las diferentes civilizaciones hacían inventarios de valiosos tesoros pertenecientes a templos y teorizaban sobre el concepto de lo bello. Las clases altas comenzaron a formar grandes colecciones destinadas a enriquecer el adorno del propio hogar. Los soberanos encargaban majestuosas obras en honor a sí mismos y en honor a los dioses. Nacieron así el coleccionista y el mecenas, figuras que alcanzarán su momento de gloria en Europa durante el renacimiento.
El mercado de arte y antigüedades se fue configurando lentamente. Creció la importancia de la obra de arte, en algunos momentos vinculada a temas religiosos y progresivamente al aprecio de la forma artística. Las creaciones que antes se hacían por encargo entran al terreno de la actividad comercial. En 1766 se fundó la primera gran casa de subastas: Christie´s, dedicada a las ventas públicas de obras de arte. Las galerías y los museos se multiplicaron en Europa.
El mercado de arte tiene su propia dinámica. Los objetos antiguos se vuelven escasos, ya que los museos no venden sus obras, los coleccionistas no están dispuestos a desprenderse de sus propiedades valiosas y gran parte de las obras más selectas pasan a manos de los galeristas.
Los coleccionistas, los historiadores, los críticos, los miembros de academias, los directores de museos, los jurados de salones y los galeristas actúan sobre el mercado de arte mediante sus veredictos de consagración.
Las categorías involucradas con la percepción y la valoración de la obra de arte están vinculadas a un proceso histórico y cambian a través del tiempo. Para algunos expertos en la materia se puede afirmar que aquello que permanece es arte.
La fotografía es obra sobre papel y de factura serial. Desde la presentación del daguerrotipo ante la Academia de Ciencias de Francia en 1839, debieron pasar casi cien años para que la fotografía se convierta en un objeto coleccionable y en consecuencia, se la considere una obra de arte. Sin embargo su valor de mercado no tiene punto de comparación con el de la pintura. Esto último se debe a la propia naturaleza del medio fotográfico que impide considerarla una pieza única ya que de un original es posible obtener múltiples copias.
Los autores fotográficos a medida que se insertan en el mercado de arte, son más conscientes del valor de la copia. Comprenden asimismo el valor del seriado, especificando el número de copias de cada una de sus obras.
La fotografía es un objeto simbólico dotado de sentido y de valor. El fotógrafo es antes que nada un autor, un creador. Durante el renacimiento el artista se inclina hacia el mundo sensible que lo rodea: surge un arte de lo profano. El genio creador será inmortalizado en personalidades de la talla de Leonardo Da Vinci, Rafael y Tiziano, entre otros.
La fotografía, como cualquier expresión humana, es un lenguaje estructurado en forma y significado; no es, por lo tanto inocente. El autor sabe qué decir y a quiénes. Sentido y valor adquieren relevancia. La imagen se realiza en forma plena en la medida en que cuenta con un espectador que la interpreta. Esta recreación opera como una re-escritura.
El valor de una imagen no tiene nada que ver con el momento de producción de la misma. Hoy consideramos obras de arte, por ejemplo, las fotografías de Eugene Atget (1856-1927), dedicado en una parte de su vida a recopilar imágenes de la ciudad de París, el célebre Man Ray le presenta a los surrealistas. Su labor fue valorada después de su muerte gracias a la tarea de la fotógrafa Berenice Abbott. Atget al fotografiar lo hacía sin buscar expresiones artísticas, el mérito estético de sus imágenes fue apreciada con posterioridad. Este es apenas uno de los ejemplos más emblemáticos vinculados con la valoración de la fotografía como obra de arte, sobre la que volveremos más adelante cuando analicemos la obra de algunos precursores documentalistas que desarrollaron su tarea en iberoamerica.
Para valorar una fotografía de autor como obra de arte hay que considerar: 1) el lugar que ocupa el autor en el denominado circuito institucional del arte, conformado por su presencia en museos, colecciones de arte, galerías, bibliografía especializada, entre otros. Se habla así, de autor precursor, consagrado o novel. 2) la disponibilidad de obras. 3) si es copia de época o posterior. 4) Calidad y perspectivas de conservación. 5) Carácter e importancia de la obra en el contexto de la producción del autor. 6) Procedencia: si fue adquirida al autor o proviene de una colección o personalidad destacada.
A partir de estas consideraciones nos referiremos a continuación a la creciente aparición de la obra de destacados autores nacidos la mayoría de ellos antes de 1920.
Los precursores. Primeros documentalistas. Benito Panunzi (c 1819- 1887), Christiano de Freitas Henríques Junior (1832-1902) -a quien en adelante aludiremos como Christiano Junior-, Marc Ferrez (1843-1923).
Los consagrados. Martín Chambi (1891-1973), Grete Stern (1904-1999), Horacio Coppola (1906), Annemarie Heinrich (1912-2005).
Los consagrados con proyección internacional: Tina Modotti (1896-1942) y Manuel Alvarez Bravo (1902-2002).
Benito Panunzi, Christiano Junior, Marc Ferrez. Los primeros documentalistas.
Es poco frecuente la aparición de obras de los primeros documentalistas con motivo de las ferias de arte aquí analizadas. Recordemos que la producción de estos autores se encuentra dispersa y recientemente se han profundizado los estudios biográficos de los pioneros de la fotografía latinoamericana. El caso de estos tres creadores es similar al de Eugene Atget. Su obra ha sido revalorizada no solo como testimonios de época sino también desde el punto de vista estético. La fotografía aquí tiene su valor en tanto registro de época.
A los largo de las cuatro ediciones de Buenos Aires Photo encontramos reproducidas en los catálogos del año 2007 y el 2008 solo tres imágenes, a saber:
1) Benito Panunzi. Plaza de la Victoria. 1867. Albúmina. 23 x 32 cm. [i]
2) Christiano Junior. Vistas y costumbres de la República Argentina, 1876. Albúmina. Album (24 x 33 cm.) con 12 fotografías (18 x 24 cm.) 120 cm. [ii]
3) Marc Ferrez. Playa de Gávea, actualmente playa de Sao Conrado. c. 1890, Río de Janeiro. Albumina. 30 x 40 cm. Acervo Instituto Moreira Salles. [iii]
En los tres casos nos encontramos con copias de época, objeto-imagen, dirá Boris Kossoy. Es decir ..."un artefacto en cuya estructura es posible detectar las características típicas de la época en que fue producido. Un original fotográfico es una fuente primaria." [iv] . Todas ellas representativa de cada uno de los artistas.
Benito Panunzi, de origen italiano llegó a nuestro país hacia el año 1862. Publicó varios álbumes de fotografía originales. Su temática se divide en "Vistas de la Ciudad" y "Escenas de Campo". Recorrió la provincia de Buenos Aires documentando a indígenas y gauchos. A su tarea testimonial hay que agregar que instaló un estudio en la calle 25 de mayo en la ciudad de Buenos Aires.
Christiano Junior, de origen portugués. Incansable viajero. Eximio retratista. Llegó a nuestro país con el objetivo de hacer una colección de vistas y costumbres de la República Argentina. Al igual que Panunzi abrió un estudio en la ciudad de Buenos Aires, más precisamente en la calle Florida 160. El investigador Abel Alexander se ha dedicado en profundidad a reconstruir la vida y la labor de este destacado documentalista [v] En el año 2007 se exhibieron en la Biblioteca Nacional un conjunto de fotografías de su autoría, curada por Luis Priamo.
Marc Ferrez, hijo de padres franceses, nació y murió en Rio de Janeiro. Al igual que Panunzi y Christiano Junior produjo un gran número de albumes sobre temas brasileños que eran vendidos a turistas extranjeros. Como motivo de la feria de Buenos Aires Photo el Instituto Moreira Salles exhibió algunas piezas de su colección. El Instituto fue fundado en el año 1990. Los principales temas del acervo son: las transformaciones del paisaje urbano brasileño a lo largo de los siglos XIX y XX, el retrato, la cultura y las fiestas populares, el mundo del trabajo; entre otros.
Grete Stern, Horacio Coppola y Annemarie Heinrich.
Son los autores con mayor presencia en el circuito artístico de nuestro país. A diferencia de los documentalistas, la preocupación de ellos es más bien artística. Corresponden a otro momento histórico. Lejos de los primeros usos de la fotografía. Hacen de la fotografía un medio de expresión.
Grete Stern
Nacida en Alemania en el año 1904. Grete Stern estudió fotografía en la escuela Bauhauss. Llega a nuestro país en el año 1936 junto a su marido Horacio Coppola. Su obra abarca todos los géneros: retrato, bodegón, paisaje, fotomontaje, publicidad, arquitectura. En 1943 instaló su estudio en Ramos Mejía. Su retratados son intelectuales y artistas. Los fotomontajes que llevan el título de "Sueños" los realiza en 1948 y 1951 estaban destinados a ilustrar la revista "Idilio". Su firma comercial fue "ringl & pit".
La galería Principium participa en tres ediciones sucesivas de la feria de ArteBa representando la obra de esta destacada artista, con obras emblemáticas de su producción. 1) "Sueño Nº 36, fracturas", 1949. Sin especificar si se trata de una copia de época (vintage) o es posterior (ArteBA 2000), 2) "Córdoba y Esmeralda" (1951/52), copia del año 1995 de 23 x 30 cm. (ArteA 2001) y 3) "Glass with paper" 1931, fotografía. Sin mencionar medidas. (ArteBA 2002).
En el año 2003, la mencionada galería realiza una exposición individual de Grete Stern, denominada "Retratos", en la tapa del catálogo un "Autoretrato con cámara" Bs. Aires (1970). Reproducidos dos retratos de destacados pintores argentinos: Antonio Berni y Lino Eneas Spilimbergo.
En el año 2005 en la página 80 del correspondiente catálogo de Buenos Aires Photo, la galería Vasari exhibe "Sueños Nº 31" "Made in England", gelatina de plata de 30 x 25 cm. 1950.
En el 2006 en la edición de Buenos Aires Photo en la página 73 encontramos reproducida una de sus obras. "Sueño Nº 1", artículos para el hogar, 1950. gelatina de plata de 30 x 25,3 cm. (galería Jorge Mara - la Ruche).
Durante la feria de ArteBA 2007, la Galería Jorge Mara - La Ruche, exhibe la obra "Dents" de 1934. Gelatina de plata sobre papel de 35 x 24 cm. Estudio ringl+pit.
Horacio Coppola. Nacido en Buenos Aires, en el año 1906, junto con Grete Stern y Annemarie Heinrich son los íconos de la fotografía moderna argentina cuyos méritos exceden el mero registro documental. En el año 2006 el MALBA le dedica una exposición homenaje organizada en colaboración con el galerista Jorge Mara. Recordemos que Coppola viajó a Europa en el año 1930 e ingresó a la escuela Bauhaus. Una de sus publicaciones mas destacadas: "Buenos Aires 1936 - Visión fotográfica".
Artista Homenajeado de la feria Buenos Aires 2006. Obras reproducidas en el respectivo catálogo: 1) Autoretrato, 1931. 2) Corrientes esquina Uruguay" (1936). (ambas en la página 16). 3) Corrientes al 3000. (1931). y 4) Corrientes al 3000. 1931. (dos fotografias con el mismo título en la página 17). 5) Cangallo hacia el barrio Once, 1936. Gelatina de plata de 28,1 x 17,9 cm. (página 72, Galería Jorge Mara - La Ruche). Al igual que en el caso antes analizado, nos encontramos en presencia de copias posteriores a la época de creación.
Annemarie Heinrich. Nacida en Alemania en el año 1912. Llega a nuestro país a los 12 años, su familia se instala en Entre Ríos. En el año 1930 abrió un modesto estudio en Buenos Aires. Reconocida por sus fotografías de gente del espectáculo. Fue la artista homenajeada de la edición de la feria Buenos Aires Photo 2005. Obras reproducidas en el mencionado catálogo: 1) "Bicicletas" (1970) (página 21). 2) "Veraneando en la ciudad" (1958), 3) "Renate Schotelius" (1952), 4) "Desnudo 35" (1946). A través de www.annemarieheinrich.com se puede acceder a una galería completa sumamente representativa de su obra catalogada de acuerdo a las distintas series (desnudos, modas, ballet, retrato, paisajes, documental, otra mirada).
El gran documentalista. Martín Chambi. Nacido en el Perú en el año 1891, es el fotógrafo de origen indio más reconocido a nivel internacional. Recorrió en mula su país natal y fue uno de los primeros en fotografiar el Machu Pichu. Estableció su estudio fotográfico en el año 1917 en la ciudad de Cuzco. Hablaba quechua, por lo tanto se dirigía la población nativa en su lengua materna. Célebre por los retratos, autorretratos y el exquisito dominio de la luz. Rescatado del olvido por la labor de recientes investigadores luego de su muerte. En el año 1979 el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York realiza una muestra retrospectiva de su obra. La pconservación del archivo de 30.000 placas y más de 14000 fotografías en rollo se debe a la familia del artista, quienes supervisan la edición y las copias posteriores. El Museo de Arte Hispanoamericano "Isaac Fernandez Blanco" organizó en octubre del año 2001 una importante exposición que contó con la supervisión de Teo Allain Chambi (nieto). En Buenos Aires Photo 2008 fueron exhibidas 20 fotografías del artista que fueran donadas por la familia Chambi. www.martinchambi.org es el sitio en internet de consulta obligada para los interesados en la obra de este gran "poeta de la luz".
La fotografía y las subastas internacionales. Los autores más cotizados: Manuel Alvarez Bravo y Tina Modotti.
Manuel Alvarez Bravo. Nacido en México en el año 1902. Proveniente de una familia de artistas. Trabajo en las oficinas del Tesoro. En 1924 entra en contacto con el destacado fotógrafo Hugo Brehme. En 1929 Diego Rivera le presenta a Tina Modotti. En 1932 deja su empleo en el Tesoro para dedicarse de lleno a la fotografía. Retrató como nadie la cultura mexicana. Sus temas provienen de la vida cotidiana. Con frecuencia aparecen en las subastas de Sotheby´s y Christie´s a la venta ejemplares de su prolífica obra.
Entre las piezas más cotizadas encontramos la obra denominada "El ensueño" (1931), gelatino bromuro de 24,5 cm. x 19,3 cm., salió a remate el día 13 de noviembre de 2007 se vendió en u$s 217.980.- (Christie´s Londres)
El 5 de abril de 2000 un ejemplar de la obra "Retrato de lo eterno" (1935), tiraje al gelatino bromuro de plata - 24 x 19 cm., se vendió en Christie´s en la suma de u$s 110.000.- Un día después, se vendió en la casa Sotheby´s (New York) un Desnudo (c.1935) de 24 x 19 cm., firmada en el reverso en u$s 100.000.-
Tina Modotti. De origen italiano, permaneció en Mexico durante los años 1927 y 1930. Considerada la primer mujer que trabajó en ese país como fotógrafa. Se inició en la disciplina junto a Edward Weston. Ejerció una notable influencia en la labor de Manuel Alvarez Bravo. No se preocupaba en generar arte, sino en hacer fotografías directas, sin trucos ni manipulaciones. Fotografió la vida en las calles, en los pueblos, como así también, las manifestaciones de los trabajadores. Retrató además, a los distintos personajes del mundo político y de la cultura mexicana.
Algunas ventas de sus obras más cotizadas:
- "Roses, México" (1925), platino de 118,542 x 21,082 cm., u$s 128.972. (Sotheby´s NY, 17/04/91).
- "Two callas" (1925), platino de 23,368 x 17,78, u$s 152.906.- (Christie´s NY 8/10/93).
- "Hands resting on tools" (1927), tiraje al gelatino bromuro de plata de 19 x 21, 5 cm. u$s 93.384.- (Christie´s NY, 4 de Octubre de 1999.
- "Telegrapg Wires" (c.1925), platino de 23,8 x 18 cm., u$s 117.936.- (Sotheby´s NY, 27/04/04)
A modo de cierre
Como hemos podido observar son varias las consideraciones a tener en cuenta en el momento de intentar responder a la cuestión ¿qué vale una fotografía como obra de arte?. Hemos analizado la aparición en distintos ámbitos de obras fotográficas de distintos autores. Los clasificamos a partir de su ubicación en el mercado de arte. Aludimos a la importancia de los ejemplares de época (objetos imagen), en el caso de la obra de los primeros documentalistas.
Al referirnos a la obra de los consagrados: Horacio Coppola, Grete Stern, Annemarie Heinrich y Martín Chambi, observamos que las obras exhibidas con motivo de las ferias de ArteBA y Buenos Aires Photo son copias realizadas con posterioridad a su ejecución. No hay precisiones acerca del seriado. Son los galeristas los que seleccionan la obra a exhibir. Nos encontramos en estos casos frente a objetos-imagen de segunda generación, así denominados por Kossoy: ...Una reproducción fotográfica -cualquiera sea su contenido- remite a un objeto-imagen de segunda generación, aunque sean empleados en su confección porcedimientos tecnológicos análogos a los de la época en que la foto fue sacada. Una reproducción es, entonces una fuente secundaria." [vi]
En relación a la obra de Horacio Coppola y Grete Stern, el galerista Jorge Mara considera que resulta imposible precisar el número de copias que circular de los dos autores, ya que en el momento de su ejecución los fotógrafos no numeraban sus fotos. Los precios de las copias exhibidas en Buenos Aires Photo 2006estaban en el orden de los u$s 1500.-
En este sentido a continuación dos obras de Coppola "vintage" que se presentaron a subasta, al observar su precio notamos que es superior al de las copias. 1) “Avenida de Mayo” (1936), 16,8 x 23,8 cm., firmada, fechada, titulada y numerada “35”al dorso y 2) “Naturaleza muerta” (1933) de 21,3 x 27 cm., firmada y fechada al dorso. (Sotheby´s NY, Abril de 2002) Cada una de ellas con una estimación de u$s 3000 a u$s 5000.- A pesar de ser obras vintage no encontraron compradores.
Al hablar de obras vintage y de copias posteriores hacemos referencia a la noción de aura ..."incluso en la reproducción más acabada falta algo: el aquí y ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar en que se encuentra. En dicha existencia signular, y en ninguna otra cosa, se realizó la historia a la que ha estado sometida en el curso de su perduración. También cuentan las alteraciones que haya padecido en su estructura física a lo largo del tiempo, así como sus eventuales cambios de propietario..." [vii]
Las copias posteriores son "instrumentos de difusión de la información histórico-culturales", afirma Kossoy.
En la actualidad los autores fotográficos se preocupan por el seriado de sus obras. Como convención algunos fotógrafos numeran su obra con un tiraje de no más de 5 copias.
A modo de cierre y luego de ilustrar los ejemplos con algunos precios, podemos decir que no es posible establecer un valor meramente económico a una obra de arte. Es necesario enfatizar que la obra de arte, en su verdadero sentido nada tiene que ver con el precio: el arte tiene valor cultural, estético e histórico. Los criterios de valoración cultural son parte de un proceso complejo que tiene lugar a lo largo del tiempo y que cambia en forma permanente.
Paula Guillardoy
Septiembre de 2009.
[i] Reproducia en la página 70 del catálogo correspondiente a Buenos Aires Photo 08 (29.10 -2.11.2008. Palais de Glace, Buenos Aires.)
[ii] Reproducida en la página 71 del catálogo correspondiente a Buenos Aires Photo 07 (7 al 11 de noviembre, 2007. Palais de Glace, Buenos Aires).
[iii] Reproducida en la página 19 del catálogo correspondiente a Buenos Aires Photo 07. Op. cit.
[iv] Kossoy, Boris, Fotografía e Historia, Buenos Aires, Editorial La Marca, 2001. Página 33
[v] Alexander, Abel. El gran fotógrafo Christiano Junior en Mendoza, en http://www.geocities.com/abelalexander/chjunior.htm
[vi] Kossoy, Boris, Op. Cit. página 35.
[vii] Benjamin, Walter. Discuros Interrumpidos. Buenos Aires, Planeta Agostini. 1994. página 20
Ponencia para el 10° CONGRESO DE HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA
(1839 - 1939) . Chascomús, 4 y 5 de septiembre de 2009.-
